Lo arqueológico
y lo forense

Busco que mi trabajo tienda hacia la abstracción porque me brinda la oportunidad de sintetizar la realidad en una clase de signo. Esos signos permiten optimizar la lectura simbólica de las realidades que voy descubriendo, los lugares que fotografío.

Mis imágenes están compuestas por silencios, sin barroquismos ni excentricidades. Me considero un fotógrafo que parte de lo documental y la objetividad, pese a que pueda haber una carga emocional, metafórica y por tanto poética en mi trabajo.

Estoy interesado en el transcurrir del tiempo y lo que queda de la memoria colectiva en el espacio público. En Lo infraordinario, Georges Perec habla del lugar como una especie de estudio antropológico de lo que somos y a través del cual podemos entender nuestras prácticas colectivas, qué es lo que hacemos y cómo nos comportamos.

He encontrado gran inspiración en la pintura de Rothko, Wade Guyton y Sergej Jensen. Para mí la fotografía es materia. La ambigüedad que tienen mis imágenes parte de las ideas que he leído de Mario Perniola, donde habla del enigma como una constante entre lo visible y lo oculto, una tensión latente.

Sí. He estado analizando un texto de Luis Villoro y Rafael Argullol, donde hablan del silencio y la poética. El silencio es la antítesis del lenguaje y te permite decir las cosas de una manera más emocional, se vuelve una especie de abstracción de lo que vemos. Genera una idea enigmática porque no lo puedes describir pero sí intuir. El silencio, la abstracción, el color son formas de un símbolo que denota la narrativa en las imágenes.

Mi interés por trabajar desde el archivo se manifiesta en mis series Documentos forenses, Tránsito, Vestigios, Yacer y Memoria petrificada. Las entiendo como un archivo porque cada serie agrupa entre 30 y 50 imágenes; y aunque cada una se significa por sí sola como conjunto, permiten generar estudios comparativos sobre los temas que investigo. De esta forma abordo y describo visualmente diversas clases sociales. La alfombra donde murió Carlos Fuentes, en mi serie Tránsito, habla de una muerte fastuosa, mientras que la imagen de un pizarrón negro retratado en Cholula, evoca la muerte de un ciudadano anónimo. En mi proyecto Suspendig time, por ejemplo, se puede observar a través de los estudios fotográficos, el lujo o la simplicidad de los escenarios, denotando la pertenencia social de los individuos que los utilizan.

Como artista te clasifican en la historia del arte y la fotografía. De alguna manera así se construye la historia. Me interesa que en un futuro se piense en mi trabajo más allá de ciertos géneros artísticos asociados a un documentalismo o corriente artística.

El tránsito de imágenes es un proceso lento; que una imagen permanezca en el imaginario colectivo se debe a múltiples factores, a veces se da por medio de un proceso político y en algunos casos a un determinado tipo de memoria histórica impuesta. Considero al archivo como un formato de trabajo importante porque permite desde su complejidad, que en un futuro se comprendan ciertos fenómenos a profundidad.

Mis series se entrecruzan de forma orgánica y responden a un imaginario personal que he ido desarrollando. Cuando trabajé fotografiando museos, los pensaba metafóricamente como velatorios o cementerios. Al visitar las funerarias ocurría lo contrario, los miraba con una carga aurática por su iluminación que recuerda más a las características del museo: espacios intocables e impenetrables.

Dedico entre dos y cuatro años para cada una de mis series. Años previos de recolección de información que voy archivando las anteceden y me sirven para decidir su viabilidad. En Tránsito, por ejemplo, hice una investigación profunda de la relación entre fotografía y muerte. Al concluirla, consideré que hacía falta fotografiar espacios relacionados con la permanencia, así que en Suspending time abordo esta idea.

Totalmente. Suspending Time parte del proyecto anterior Tránsito, el cual estaba muy influenciado por el género asociado a angelitos muertos. Entonces tenía en mente a esos escenarios y su atrezzo, a su simbolismo influenciado por la iconografía pictórica y a las representaciones aspiracionales de los sujetos retratados. Estaba en búsqueda de un lugar en el que la gente busca trascender en el tiempo, el estudio fotográfico fue entonces mi tema a tratar.

La fotografía de estudio buscó que trascendiéramos de cierta manera en el tiempo mediante la construcción del ser. Decidí recorrer el país fotografiando estudios que todavía sobreviven y su deterioro. El eje principal de este trabajo, enfatiza al espacio más metafórico del estudio fotográfico: los escenarios.

Algunos de estos escenarios son reverenciales y otros muy sintéticos, pero ambos hablan sobre cómo los sujetos desean inmortalizarse. El estudio permitió que nos miráramos unos a otros y ascendiéramos socialmente al momento de poder existir ante la cámara. Al igual que las demás, esta serie tiene que ver con lo escenográfico.

Fue un proceso muy fuerte hasta que entendí que tenía sentido hacerlo. Permitía a otros sensibilizarse con otra idea de la muerte en México, diferente a las que permanecen. La serie surgió con la intención de contrarrestar la nota roja en el país. Antes que pensar en el sensacionalismo, deberíamos de pensar en la memoria y el valor del cuerpo, intentar comprender qué sucede actualmente con toda esta muerte y violencia desmesurada.

No del todo, es un asunto más complejo. Es una operación que no tiene que ver con lo que estamos acostumbrados a ver en la nota roja.

Con esta serie busco reflexionar sobre cómo la violencia se asocia a una ruina arqueológica a través del tiempo. Dan cuenta de ello los estudios de 1917 de Manuel Gamio, y de Saburo Sugiyama en 2004. Teotihuacán y algunas de sus zonas en particular han estado ligadas a la decapitación, el desmembramiento y otros rituales que contribuyen a su construcción simbólica como ciudad. Los casos de muerte más contemporáneos de los últimos 30 o 50 años, los interpreto aquí como un tributo que los dioses cobran para mantener viva a esa ciudad, adoptando la mirada de un viajero del siglo XXI que descubre otra capa acerca de un paraíso en apariencia idílico.

Memoria petrificada es un recorrido por palacios municipales y de gobierno en México, sitios muy complejos y obsoletos en sus funciones. En nuestro país ya no creemos en estos lugares como instituciones de poder y han pasado a representar las muertes contemporáneas que ocurren a causa de la violencia administrada por el Estado.

Estos lugares son un ejemplo de cómo México se encuentra disuelto en sus propios vestigios y ruinas. Considero que en un futuro, mi trabajo se entenderá como un gran documental que abarque diversos espacios de representación de este país.

Escenario político, de la serie Memoria petrificada, Puerto de Veracruz, México, 2017. Fotografía digital

Esta serie se compone de capítulos. Uno está dedicado a los proyectos inconclusos que desde un inicio adquieren la dimensión de ruinas. Por otro lado, se encuentra esta especie de museización del México nacionalista que busca a través de los palacios de gobierno, construir una identidad nacional.

He investigado alegorías de México construidas desde el siglo XIX. Si tú vas a algún palacio de gobierno, encuentras murales. En Palacio Nacional está Epopeya del pueblo mexicano de Diego Rivera. En todos los casos se intenta construir un nacionalismo épico. Por esto, también estoy investigando de qué manera la arquitectura genera un nacionalismo a través del color y la forma.

Entiendo al protocolo como un mecanismo para construir una ideología sobre la política. Ese conjunto de normativas se manifiesta desde lo arquitectónico o bien, desde los eventos escenográficos o teatrales de la política.

En su Crítica de la pirámide, Octavio Paz reflexiona en torno a la figura del jerarca y su dimensión cíclica cuyo origen se remonta a nuestro pasado precolombino. Habla de un poder que no es personalista. Al final mi serie Memoria petrificada, contiene ecos de lo que he venido investigado: la muerte y su relación con la memoria, lo arqueológico en su devenir con el pasado y el presente.

Marcela Barreto
Guadalajara, Jalisco, 1988
Vive y trabaja en Ciudad de México

Estudió Cultura y Arte de la Universidad de Guanajuato. Ha trabajado en archivos y colecciones particulares dedicadas a la fotografía mexicana del siglo XIX y XX. Ha publicado artículos en revistas especializadas, impartido ponencias sobre fotografía y cine, y participado en coloquios y seminarios relacionados con historia del arte, artes visuales, historia y catalogación de acervos documentales. Actualmente realiza curadurías e investigación de forma independiente.