PLEXIDRA Cuerpxs del futuro cercano

Una entrevista con Oswaldo Erréve

PLEXIDRA es la estructura vertebral de un homúnculo híbrido con consciencia elevada, gestado en una relación homosexual metafísica. Recreada con tecnología 3D a partir de un fósil. Esta columna preserva el linaje interplanetario a nivel ornamental sobre el cuerpo en las razas transhumanas. Este proyecto, encabezado por el artista Oswaldo Erréve, en colaboración con Ukaanalil Studio, es una célula madre que se subdivide en 5 partes: PLEXIDRA, una pieza de joyería impresa en resina, así como su certificado en NFT; FOSSILISATIO, un fósil digital de la columna vertebral de un ser híbrido imaginario; PALEONTODRA, una serie fotográfica de la estructura ósea antes mencionada, situada en ambientes naturales; VNGELES: 2 fotografías de personas usando la columna intervenidas digitalmente; y PLEXUSOLAR, un fashion film, que aún se encuentra en vías de producción, presentando a PLEXIDRA. Aquí, Oswaldo nos cuenta acerca de sus procesos, su interés en la conceptualización del transhumanismo y las formas en las que explora la expansión de lxs cuerpxs.

Doreen Ríos (DR): ¿Cuáles son los temas centrales que te interesa investigar/accionar a través de tu obra?

Oswaldo Erréve (OE): Mi obra está basada en el imaginario metafísico o la energía espiritual, y el interés de investigación se encuentra en aspectos relacionados con los errores en la matrix y los sucesos que pueden ocurrir en las realidades alternas. Utilicé las hibridaciones sobrenaturales y las imposibilidades etéricas, como interfaz para generar secuencias visuales que alimentan la inteligencia artificial. Aunque no considero que mi trabajo sea 100% activista, tengo inquietudes socio-políticas sobre la protección de los derechos de nuestra comunidad LGBTIQ+, tengo la necesidad de mover ideas que beneficien la visibilidad de la identidad de género, el respeto racial y la inclusión de corporalidades.

DR: Es claro que tienes un interés particular por pensar al cuerpo como interfaz dentro de tu obra, una posición muy cercana a varios postulados con respecto al transhumanismo. ¿Qué papel juega el cuerpo dentro de tu producción?, ¿hay alguna conexión entre las materialidades digitales fluidas con las que trabajas y tu percepción de la idea de «cuerpo expandido»?

OE: La médula de mi obra es el retrato corporal virtual y la preservación multimediática de la raza humana y transhumana onírica dentro de la nube, para una transmisión temporal hacia la extensión del espacio-tiempo. Desarrollo mi producción gráfica dentro de la esfera de la moda editorial con las prendas de diseño más local posible, y exploro la idea del transhumanismo, el ambiente post-biológico y los elementos no tangibles a través de la simbiosis entre orgánico y sintético, desde el mundo subatómico hasta el mundo galáctico. Trabajo en la representación visual de la coexistencia armónica de los seres y espacios orgánicos con las máquinas y la industria. Esta hipervisión está relacionada directamente con el mucho o poco activismo que puedo aportar a través de mis ejercicios; se trata de poder percibir más allá de un solo estereotipo de cuerpo (socialmente inculcado) y de ampliar la gama de colores de piel, incluso en algo que resulta ser más alusivo a la sci-fi.

DR: Una búsqueda que se percibe recurrente dentro de tu producción, tiene que ver con la distribución de tus piezas. Desde colocarlas en internet como vía de acceso, hasta propuestas híbridas como en Backmasking future o MUXX. ¿Qué importancia tiene para ti el abrir estas conversaciones a través de estos medios?

OE: Es bastante importante saber reconocer tu mercado para lograr posicionar tu obra donde la quieres tener. Desde que comencé a producir, durante, y al término de mi carrera universitaria como fotógrafo, estuve buscando la aprobación de distintos medios de comunicación para poder colocar mi trabajo dentro de un mercado que tal vez no era el correcto, en ese momento; debido a eésto, me propuse plantear un concepto que, hasta el momento, continúo llamando “neoplataformas”, como un tipo de respaldo para unx mismx como artista independiente. A mis amigxs y colegas siempre les he dicho que no debe haber temor por la autopublicación; a veces se logra llegar más lejos por medios propios que por esperar la aceptación de instituciones elitistas que ya tienen un segmento basado.

Lo que es importante para visibilizar el trabajo individual o colectivo es encontrar la aprobación de sí mismo, antes de buscarla en alguien más. En mi proyecto efímero Backmasking Future (2018-2019) tuve la oportunidad de crear una red de creativxs cercanxs a míi con la gestión de una serie de fashion films experimentales, los cuales fueron lanzados de manera individual durante cada mes en 2019, y cada uno estaba compuesto por diferentes talentos en diversas disciplinas como arte digital, música, modelaje, styling, make-up art y dirección de arte. Este proyecto fue un parteaguas en mi trabajo para lo que es actualmente, sobre la dedicación al arte digital y nuevas tecnologías transmedia.

OE: MUXX (2021-2022) es un proyecto híbrido que combina lo performático y lo virtual. Continúa en desarrollo el trabajo en equipo con diferentes disciplinas en 4 extremos opuestos, -pero complementarios uno del otro. Este colectivo fue gestado gracias al Art + Technology Lab, comisionado por LACMA (Los Angeles County Museum of Art) + Hyundai, con el apoyo de Google, SpaceX y Snap Inc. Está conformado por 4 distintas ramas que convergen al arte y a la tecnología, para generar un proyecto simbionte: una amalgama que resulta por la combinación de diferentes identidades. Por un lado, está Lukas Avendaño, quien es artista, antropólogx y coreógrafx perteneciente a la comunidad muxe, representando las raíces ancestrales queer prehispánicas; en el otro extremo, me encuentro yo, generando una perspectiva expandida de estas raíces hacia un futuro tecnológico, creando un puente espacio-temporal que conecta las raíces ancestrales indígenas con la nube virtual de los descendientes alienígenas. En otro punto se encuentran EYIBRA y NNUX, quienes musicalizan la obra completa con ritmos electrónicos de corte experimental, motivos que recuerdan a la naturaleza y sonidos que resultan ser familiares para las comunidades que se encuentran inmersas en ambientes más puros.

DR: Dentro de tu producción hay una constante fusión entre elementos físicamente presentes intervenidos o atravesados por elementos digitales. ¿Qué perspectiva tienes con respecto a la integración de objetos digitales en el plano físico?, ¿qué reflexiones, y cambios, se han suscitado a través de los varios años que has trabajado con estos elementos?

OE: La manipulación de elementos dentro de un lienzo virtual me parece muy similar al trabajo que desempeña la mayor generadora de renders de la existencia física: la naturaleza. Lo percibo como un tipo de analogía de poder desarrollar una escena/escenario a partir de cero. Es como la teoría de la realidad observable, la cual sugiere que la realidad sólo existe cuando hay un sujeto con la capacidad de procesar imágenes dentro del espectro visible y la realidad simulada, cuyo fundamento se basa en que la realidad es una simulación generada por un ordenador. Estudiando la realidad a nivel cuántico, se ha comprobado que no hay hechos objetivos, y que, como cualquier código de programación, siempre existen errores dentro de la matrix.

Llama mucho mi atención la forma en la que puedo construir escenas o situaciones de algo que imagino. Normalmente, al inicio de un proyecto, tengo una visión clara de lo que quiero presentar pero a veces no tengo idea de la ejecución; siempre opero de una forma meramente experimental. Actualmente creo que mi trabajo continúa jugando un rol ilustrativo y de expresión artística, sin embargo, con los proyectos futuros que tengo planeados, quiero dar un giro para transformar lo ilustrativo en algo que, aparte de estar técnicamente bien desarrollado y ser visualmente atractivo, aporte y deje algo en la consciencia del espectador. Más allá de la reflexión, me interesa crear una experiencia inmersiva e incluso transgresora.

DR: En tus proyectos más recientes es interesante notar un vínculo más cercano a lo performático y a la colectividad. ¿Cómo es que eésto ha impactado tu forma de pensar y desarrollar tu obra?, ¿es un área que te interesa explorar con mayor profundidad?

OE: En mi individualidad, la mayoría de las veces, prefiero trabajar de una manera más introspectiva. Sin embargo, en los últimos proyectos que he desarrollado, como Backmasking Future, MUXX y Nueva Administración (un estudio digital de diseño multimedia independiente que fundé con 3 amigxs en mitad de la pandemia en 2020), he encontrado confort en trabajar con otras personas de forma colectiva, sin perder la esencia introspectiva con respecto a mi propio trabajo, estilo, herramientas, y procesos creativos. De trabajar en equipo, me interesa lo que puedo rescatar de otras mentes creativas y lo nuevo que puedo aprender, así como lo que yo puedo compartir al enseñar y aportar. Es importante no enfrascarse en ideas propias. He aprendido que trabajar de manera colectiva abre muchas más puertas de las que normalmente puedes abrir por cuenta propia. Actualmente estoy muy interesado en desarrollar proyectos más circulares con dualidades y conexiones más reales entre lo orgánico-digital, pasado-futuro, tangible-no tangible. Con PLEXIDRA exploro diversas partes del formato tangible y no tangible, llevando un archivo hacia el metaverso, convirtiéndolo en un NFT y traduciendo esta misma versión digital en un soporte físico en impresión 3D sobre resina. Esta pieza representa un proyecto redondo que explora los diferentes límites y extremos de lo que puede lograrse con un solo archivo. Con mi prenda virtual CRYPTOSHIELD funciona de manera similar; es como tener un archivo no tangible, que se puede usar para vestir modelxs en editoriales digitales. MUXX representa un trabajo más bien cíclico, con este y otros proyectos futuros quiero explorar la conexión espacio-temporal para poder conectar elementos que están en extremos opuestos, como lograr un puente entre ancestros análogos con sus descendientes tecnológicos.

DR: Sin duda, el año 2022 acarrea muchas preguntas con respecto a la hipervisibilidad/hipervigilancia, y ahora más que nunca, el agenciamiento que tenemos de nuestrxs cuerpxs cada vez más tecnológicos. ¿Cómo abordas esta tensión entre innovación tecnológica para la comodificación y/u opresión, y la inminente ciborguización?, ¿qué posibilidades/obstáculos observas en el futuro cercano?

OE: La descentralización del sistema para el ser humano perteneciente y dependiente de un plan construído a través de los milenios, puede llevarse a cabo si no permitimos que la inteligencia artificial nos domine antes que nosotrxs a ellx. Recientemente estamos queriendo funcionar de una manera diferente a como se actuó en décadas pasadas, sin embargo, aún hay sectores privados con intereses fijos que benefician a los bolsillos propios (como los motivos industriales, gubernamentales y eclesiásticos), los cuales no permiten avanzar, y actúan de manera involutiva. Es una lucha constante de la que no debemos quitar nuestra atención. Debemos centrarnos en los beneficios que podemos obtener con la actualización de las bases de datos y la familiaridad que podemos tener con la Web3 y posteriores. Fuera de la ciencia ficción y dentro de la realidad perceptible, positivamente, fusionarnos con las máquinas se vuelve una realidad cada vez más cercana, pero con cierto riesgo apocalíptico. Como raza humana, aún en un porcentaje muy alto, existe un velo que impide elevar nuestra consciencia a causa de la automatización y la inmediatez informática. Es importante tener el poder del conocimiento para saber cómo utilizar los nuevos métodos de implantación y digitalización a nuestro favor, principalmente para nosotrxs y para nuestro ecosistema espacial, para no hacernos daño, ni a los entornos en los que podemos desarrollar la vida.

*PLEXIDRA es un diseño original de Oswaldo Erréve en colaboración con Ukaanalil Studio, bajo la dirección creativa de Oswaldo Erréve y Donahto Pastén. Modelado en 3D por Oswaldo Erréve e impreso en 3D sobre resina por Donahto Pastén.

Oswaldo Erréve

Nómada digital de aprendizaje autodidacta y licenciado en fotografía. Desarrolla su trabajo desde el ámbito de la moda editorial y crea una sinergia visual con la tecnología a través de herramientas multimedia para crear proyectos con un aura transdisciplinar. Con herramientas como AR, VR, AI ,y diseño 3D, bajo una visión sobrenatural, la producción gráfica de Erréve genera respuestas visuales contemplativas, sobre cómo sería la realidad en una simulación alternativa. El discurso de su obra explora la idea del transhumanismo queer y las mutaciones/ adaptaciones que la naturaleza, los organismos y los ecosistemas deberían sufrir en un futuro utópico en simbiosis con la ciencia y la tecnología. Describe su trabajo como una presencia híbrida entre lo sintético y lo orgánico, una especie de figura metaespiritual. Actualmente es residente del Art + Technology Lab 2021-2022 en LACMA (Los Angeles County Museum of Art). Se encuentra explorando la moda virtual revolucionaria con sus proyectos autorales más recientes ‘CRYPTOSHIELD’ (prenda virtual) y ‘PLEXIDRA’ (joyería virtual) a través de los recursos NFT y de la amplitud que ofrece la Web3, para generar una neoplataforma de autopublicación y presencia virtual en el metaverso. Erréve ha sido publicado por Fashion Week México, Vogue Italia, TimeOut México, Revista 192, ELLE, entre otras. Ha desarrollado campañas publicitarias en formato NFT para Nike (Nike: Lucha Libre). Ha logrado vender su trabajo en criptomonedas a través de los mercados virtuales que acuñan los non fungible tokens (NFTs) como OpenSea, Knownorigin, Foundation y Artpool. También ha generado alianza con instituciones culturales como el Centro de la Imagen, Material Art Fair, Foto Museo Cuatro Caminos, Abierto Mexicano de Diseño, entre muchos otros.

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